LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS.

CRITICA IRREVERSIBLE

Tomando en cuenta la critica realizada por Oswaldo Osorio sobre la película irreversible como el mismo lo dice no es que esta película sea el boom  por el hecho de presentar primero el final y luego desarrollar la historia de atrás hacia adelante, porque eso ya no era novedad a la hora de realizar este filme, pero lo verdaderamente increíble es como esta película logra reacciones él en público totalmente inesperadas, es como nos pone en un mundo de situaciones que puede llegar a tocar susceptibilidades es mas tengo una expresión muy coloquial y es “ esta película es para gente con mucho estomago”.

Ante tanta confusión y formas de ver el filme la trama central de la película es la violación y el ultraje de una mujer en un túnel peatonal, luego de esto viene la venganza del novio y el ex novio de esta joven mujer que se ven envueltos en muchas situaciones adversas para encontrar al violador volviéndose complemente locos, desde robarse un taxi, hasta entrar a un bar gay de fiestas swinguers y de total descontrol.

La historia se a simple vista es sencilla pero viéndola como no la muestra el filme nos pone en suspenso en confusión y en mucho desespero ya que las imágenes y el manejo de cámara son muy bruscos y junto con la música hacen un complemento perfecto para marear eh indisponer algunos de los que ven la película.

Creo que el cometido de un guionista y un director de películas es que su historia o por lo menos las imágenes de sus creaciones se queden en la retina de quien las mira o por lo menos despierte reacciones temporales en alguno de sus sentidos, pues bien creo que esta película logra esto ya que la eh visto 3 veces y no puedo evitar sentir rabia, horror y hasta taparme los ojos en el momento de la violación cada vez que veo esta película.

Muchos pensaran que el manejo de cámara es poco cuidado desprolijo y hasta raya de lo ordinario pero la realidad es que esto no es en vano o no se realizo por aburrir o marear al publico, simplemente si vemos la trama en la película no hay muchos momentos tranquilos son más los momentos de pánico de persecución de emociones psicóticas, entonces eso es lo que Gaspar Noé quiso plasmar en el manejo de la cámara que todos viviéramos ese tipo de sensaciones y emociones que Vivian los actores.

La película y la crítica de Oswaldo nos muestran claramente otro patrón dentro de la sensación que deja y es que dentro de este filme el futuro es lo único cierto es lo único que hay una posición un poco surrealista.

Otra de las grandes controversias es el pensar que es lo que el director realmente busca por medio de este filme es que tomemos conciencia que no se busca asquear si no educar ante la secuencia del subterráneo. Mostrar toda la violencia que el ser humano es capaz de trasladar a otras personas, sintiéndonos rehenes de nosotros mismos a la hora de realizar actos tan abyectos en un hipotético futuro, y dónde además, sería ilícito y cobarde sugerir, ya que limitaría el acto a una mera gamberrada; removiendo almas, conciencias y pensamientos. No sólo el estómago.

Darío Galeano.

CRÍTICA A IRREVERSIBLE

Por: Carolina Triana.

Lo extraordinario de una historia simple. El tratamiento que se le da a una historia a través del manejo de la cámara y su manera de narrarla en imágenes, sin dejar respirar o parpadear siquiera al espectador. Choca al espectador, lo puede confrontar con sus fantasmas, lo hace sentir como si el enemigo le estuviera respirando en el hombro.

Estoy de acuerdo con Sergio Osorio en los no prejuicios, puesto que el espectador aquí se debe alejar del no tratamiento escueto de los sucesos e infortunios de la vida. Ver la violación de Alex es algo desgarrador, a veces insoportable y repugnante, así como el asesinato en venganza de su supuesto violador. Sin duda alguna, aquí se requiere de un espectador que si bien es susceptible y un ser humano al fin, debe abrirse a la cruda realidad que nos quiere trasmitir la película.

Resalto, al igual que Osorio, la importancia del tratamiento de la historia que la hace como fuera de todo, fuera de serie, rompe con la linealidad de las historias y el plano secuencia en ciertas escenas hace que ese relato fílmico sea más chocante y único, otorgándole una condición extraordinaria de realidad, frenesí y la posibilidad de habitar mentalmente otras espacialidades.

También es una película cifrada y simbolista que le va dando pistas al espectador, puesto que es muy fálica y anal, por ejemplo el bar donde buscan a Núñez se llama “Rectum” recto, Alex sufre una violación anal y luego en el antes de la historia está Marcos expresándole a su novia Alex que lo quiere hacer por detrás.

No estoy de acuerdo en que no sea una película de sorpresas por el simple hecho de empezar por el final, al contrario es un entramado que enreda al espectador empezando por el final de la historia y que termina con un antes muy tranquilo que por ese mismo hecho, confronta al espectador y lo despierta como después de una pesadilla.

Le delega al espectador la angustia y la responsabilidad de conocer el futuro, cuando “Alex” (Monica Belucci), recibe el consejo de la extraña por la calle y empieza a pasar el túnel, uno como espectador comienza a gritarle mentalmente: “no pases por ahí, salte de ese lugar, algo malo va a pasar…” y a hacer fuerza para que emprenda su huida y no le preste atención a la discusión de “pareja” que lleva Núñez el violador con una travesti.

Ésta es una película que le da la potestad a los espectadores de saber el final y sus imbricaciones, en esa medida podríamos hablar de una cámara diáfana que registra una ficción.

Asimismo, es una película que tiene contrastes fuertes en el manejo de la cámara y los movimientos, pues pasa de unos planos secuencia frenéticos, pulsantes acompañados de música industrial, a unas imágenes relajadas, comunes, pacíficas y con luz que se contrapone a la oscuridad imperante en las primeras escenas.

Gaspar Noe no tiene temor a la hora de abordar una acto sexual violento contra la mujer, sin desgarros ni tapujos, así como tampoco tiene censura frente a ello, pues lo muestra sin juicios ni tratamiento compasivos.

IRREVERSIBLE, una historia que nos muestra los quiebres posibles de las historias que nos han contado, y que nos da poderes que incapacitan a la hora de ver lo irreversible del destino que nos buscamos, nos forjamos o quizás nos toca.

IRREVERSIBLE: La cualidad  de lo vivido 

                              “Es una película que nos otorga una  extraña  facultad que nunca tendremos y, en esa medida  nos proporciona una desconocida forma de ver las cosas”

Oswaldo Osorio, Kinetoscopio. Vol 14. N. 68 

El daño ya está hecho y lo ocurrido  como el título de esta película es Irreversible. La premisa  de IЯЯƎVƎЯSIBLƎ (2001) del director argentino  Gaspar Noé es  simple  pero trascendental: No podemos cambiar  lo ya vivido, solo nos queda el pasado y la posibilidad de recordarlo.

Esta película no está hecha para sorprendernos con giros  en la trama, no ofrece sorpresas  en su historia,  ya conocemos el final.  Las consecuencias  de  todos los actos  de los que seremos testigos durante  97 minutos  son presentados en las primeras secciones ,  así que lo ofrecido  es una constante sensación de impotencia   y la posibilidad de  descubrir  las motivaciones y sentimientos de los personajes.

Oswaldo Osorio   en su crítica  para la revista Kinetoscopio  nos lo advierte, con esta película es fácil caer en la trampa y dejarnos llevar  por los prejuicios; y es que los prejuicios estéticos y morales  son el principal enemigo para este film. En palabras de Osorio el cine  esta hecho de  convenciones, sin embargo las convenciones   utilizadas en esta película son resientes, contar la historia de atrás para adelante, usar  planos secuencia y abusar de la  cámara errática proponen una estética cargada de convenciones  pero  diferente desde el primer momento.

Es así que  una pregunta justifica a Noé,  ¿cómo un director puede contar  una historia  truculenta, oscura y violenta  y valerse no solo de la trama sino de  elementos propios del lenguaje cinematográfico? Pues bien, Gaspar  Noé cuenta una historia  apropiándose   de un lenguaje convencional, convirtiéndolo  en propio  y narrando a  un ritmo cambiante y acorde con la historia. El lenguaje cinematográfico en esta película  no solo es una convención o un código, narra  en la misma medida que la historia y los diálogos.

El ritmo  de esta película nos lleva desde los caóticos  momentos   de venganza  vividos en el bar Rectum en un Paris nocturno  lleno de excesos y violencia,   hasta la  paz  de la escena final  donde se nos presenta a  la protagonista  recostada en un parque  en un tranquilo día de verano.  De un ritmo acelerado, caótico y errático   nos  movemos lentamente  por momentos que  disminuyen la  intensidad  y permiten acercarnos  a la intimidad  de los personajes.

La violencia  con que Pierre el ex esposo de Alex  asesina a un hombre al inicio de la película contrasta con el  tímido y  tranquilo ser  que  se nos presenta más adelante, como plantea Osorio “nos revela la verdadera dimensión del dolor y la desesperación que siente por el brutal  ataque de que ha sido víctima Alex”. Todo el tránsito de  los momentos  caóticos a la calma de la escena final  no solo  se manifiesta en la trama  y los diálogos  que se hacen más largos y cotidianos, sino  también en los movimientos de cámara y el ritmo de la narración , los planos se hacen más largos  y con ello   somos transportados a la calma  y cotidiana vida pasada de Alex,  Marcus y  Pierre.   

“Alex” al igual que para Oswaldo Osorio  es un  nombre  que en un inicio  no me provoca  mayor  empatía, más aun  por un momento uno llega a  creer que es un amigo  de alguno de los dos hombre que buscan con desesperación a quien  le hizo daño. Sin embargo  viene la revelación del personaje, Alex es la esposa   de Marcus y la ex esposa de Pierre, fue violada y nosotros seremos testigos durante una larga e intensa  escena sin cortes  de  la violencia a la que fue  sometida.

Conocer y entender a los personajes  y lo que los llevo a un  destino triste y problemático  nos  enfrenta a nuestros prejuicios morales. Una escena  que   puede resultar incómoda para unos, eterna para mí pero como dice Osorio inolvidable para todos  nos presenta el ataque y violación  del que fue víctima Alex; es imposible que esta escena no provoque algo en el espectador, asco, incomodidad,  repulsión o le resulte insoportable de ver. Esta escena es el clímax  de la película es cruda  por lo explicita  y fuerte por  la carga  de violencia, es el detonante del presente  y la culminación del pasado tranquilo  de sus personajes.

Conocemos de antemano lo que les  pasara a los personajes,  así que es imposible no sentir impotencia ante un futuro inevitable  por lo ya vivido, porque nosotros como espectadores conocemos  el final de esta historia, ya lo vivimos. La película  es un recuerdo que nos transporta a tiempos mejores y un recordatorio de lo irreversible,  la cualidad de lo vivido.

Ver esta película implica  estar  abierto  a una experiencia diferente que nos enfrenta a nuestros prejuicios morales y estéticos. Aun cuando  la historia es simple y los recursos convencionales el director lleva lo simple y convencional al límite ofreciendo una película diferente a cualquiera.  En esta película el  tiempo de los planos y el movimiento de la cámara  son recursos  rítmicos aprovechados  de manera excepcional. La apuesta por contar la historia  al revés (atrás hacia adelante)   es una forma de reforzar lo que yo considero es  la premisa de esta historia: No podemos cambiar  lo ya vivido, solo nos queda el pasado y la posibilidad de recordarlo. 

Ana  María Medina

CRITICAS LA JETEE

Adriana lucia Cruz Morales

Comunicación Social-Periodismo

La Jetée

La Jetée, que traducido el español significa ‘El Muelle’, es una película del escritor, fotógrafo y director de cine francés Chris Marker, a quien también se le otorga la contribución al documental subjetivo.

Esta película de ciencia ficción,  a blanco y negro, es contada a través de imágenes estáticas, una voz en off de un narrador que nos va introduciendo en la historia y acompañado de una banda sonora que nos va armonizando.

Esta pelicula cuenta la historia de un  hombre que queda marcado desde su niñez por ver morir  un  hombre mientras él se encontraba en el aeropuerto. Años más tarde Francia fue arrasada por la III guerra mundial, dejando el lugar inhabitable debido a la radiactividad obligando a las personas  a refugiarse bajo tierra en cuevas, pero dichas bases en donde se realizan experimentos con personas y entre estas es escogido el protagonista de nuestra historia para realizar el experimento, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía, etc.

Este experimento mantendrá  a la persona en el espacio, haciendo que el regrese al pasado y se encuentre  con una mujer que marco su vida, esta historia narra idas al futuro y al pasado donde siempre se encuentra con la misma mujer pero ella no se sorprende de la situación. Finalmente el hombre decide regresar al pasado al aeropuerto donde esta aquella mujer y donde se da cuenta que un  hombre lo había seguido desde que dejo la cueva, mientras que ese otro personaje saca un arma y le dispara. Haciendo alusión a la misma escena de su infancia donde muere el hombre, ese hombre que era el mismo.

Me llamo la atención de esta película como se puede hacer cine sin pensar en las reglas establecidas y con esta consecución de fotografías,  eso sí con cuidadosos planos y con detalles hacen que haya una  buen narración de la historia, no sé cuanto presupuesto se necesite para realizar este tipo de películas, pero lo que sí es cierto es que es creativo y recursivo, ya que solo conto una breve momento en movimiento. 

Me parece que el discurso narrativo también es bueno y nos ubica durante un acontecimiento importante como es la III guerra mundial, con las armas nucleares y donde se ven las secuelas de la guerra, el hambre, la muerte, enfermedades, etc. Una pandemia total.

Para muchos esta es una excelente película de bajo presupuesto una obra maestra para el cine de ficción.

LA JETEE

Un Film de Chris Marker

Con: Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jacques Ledoux.

Francia, 1962 – 35mm – Blanco y Negro – 29 min

La jetee hace parte de esos no lugares, donde sucede todo, pero nada permanece; allí la memoria viaja en  el tiempo, intentando esa búsqueda incesante del hombre por revelar y obtener lo que no está a su alcance.

Historia que narra una época, un momento, un amor  y la realidad única  que nos dice lo vulnerables que somos ante el afanoso tiempo que nos rapta los instantes. Imágenes con puntos vacíos  que le permiten al espectador recrear, imaginar  y reconstruir cada detalle que la foto fija deja fuera de su encuadre; y aunque la historia es narrada en imágenes estáticas  que imperceptiblemente pasan por nuestra memoria, lo que vemos increíblemente es el mover del cabello de aquella mujer que espera en el muelle a aquel hombre que viaja por el tiempo; tanta seducción hay en cada imagen que acompañado de una narración sugerente y sonidos que ambientan cada momento, nos muestran una historia que respira y se mueve en cada  fotografía.

En la Jetee, lo sombrío y temible no reside en los recuerdos del pasado ni en el inesperado futuro, si no en el cruel momento presente.

ANGELA ORNELLA BETANCOURT

LA JETÉE

Jean Luc Goddard dijo en una ocasión “La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”. Gracias a la película El muelle o como se le conoce mundialmente, La Jetée; podemos decir que el cine también puede ser una verdad en  fotografías durante 1598 segundos.

Este es un film experimental en foto fija del director francés Chris Marker, quien nos introduce en toda una trama que se sustenta con la voz del narrador y toda una gama de fotografías que describen cabalmente los detalles que se le escapan al audio. Los efectos de sonido a cargo de Trevor Duncan también son un soporte en la trasmisión de sensaciones dramáticas. La fotografía resulta fundamental por que el cine que siempre ha sido la imagen en movimiento, en esta película es la fotografía, sus planos y encuadres las que producen la imagen en la mente del espectador. Pero el mayor trabajo desde mi perspectiva estuvo a cargo del mismo Marker quien a través de un ingenioso argumento, lleva al espectador por toda una componenda en la que la memoria juega un gran papel esencial.    

Un buen recomendado del cine de ficción en fotografía fija.

Por: John H Feria

La Jetée (1962) Chris Marker, es una película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella, se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica.

Es otra propuesta del cine, mostrada por el director de la misma Chris Marker,  toda una historia contada a través de una secuencia de imágenes en movimiento, cuya narración le va dando el sentido a la película. El jugar con los tiempos, pasado, presente y futuro la vuelven toda una ficción que lleva al espectador a ver la conclusión de la historia, si bien es solo imágenes, el contextos de la historia si concientiza, sobre una época, un lugar y un hecho especifico, un experimento de viaje en el tiempo y una guerra atómica.

La secuencia de las imágenes, muestra  una de las ciudades más devastadas como París, debido a la Tercera Guerra Mundial y por ende a los habitantes los cuales deben refugiarse bajo tierra debido a la radiación que impregna la superficie, pero que más adelante el personaje principal lleva al espectador también a viajar con él en el tiempo, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía y demás.

Considero que para ser un filme de 1962, el director se arriesga a pensar en una civilización pacifica, en seres humanos avanzados y desde luego la fuente de energía que puede construir la industria humana, sin dejar de lado los sentimientos que este personaje siente por la mujer que ve en su pasado presente y futuro. Finalmente con esta película se logra comprobar que la ficción puede llevar a concientizar al espectador, sobre hechos que marcaron la humanidad, pero que puede reflejarnos como seres humanos débiles y quizás muy indefensos con nuestro porvenir.

MAYERLY URREGO ROJAS

Comunicación  Social -  Periodismo.

La jetée – El muelle (Chris Marker)

A través de un cortometraje realizado con foto fija, Chris Marker nos relata una historia de ciencia ficción bastante peculiar y fantástica para el gusto de algunos.

La posibilidad de recrear imágenes mentales debido a la carencia de movimientos en las mismas, es lograda a través de la imaginación del espectador por la necesidad que tiene de hallar acción y seducción en el relato. Sin embargo,  se torna más densa al cabo de 20 minutos de proyección causando distracción y cierta pérdida en la secuencia de las escenas por el mismo esfuerzo mental que se hace para ligar cada imagen, representarla mentalmente y dinamizarla.

La secuencia narrativa del corto hace un paralelo entre el mundo real y la ciencia-ficción que genera la posibilidad de viajar en el tiempo, un viaje que obliga al protagonista a decidirse por una condición de vida en la que se ve involucrado de manera directa por ser su vida misma la que se encuentra en riesgo.

De esta manera Chris Marker nos remonta a una época alejada de nuestra realidad mas próxima en sucesos mas no en tiempo ni espacio, dándonos una perspicaz visión de la creatividad misma del hombre por su subsistencia al modo de recurrir a prácticas tan fabulosas como la tele transportación en el tiempo a través de la mente misma y preservando y distinguiendo la importancia que desde tiempos atrás tienen este tipo de temáticas en la producción de cine a nivel mundial.

Es una buena trama sin duda. Atrapa al espectador y esto permite que a pesar de tonarse inapetente al final, se pueda concluir la historia con el gozo de visualizarla por completo y con la gran sorpresa que se da con el destino del protagonista, un toque fulminante y de gran calidad artística para poder afirmar que–“vale la pena ver esto”-.

Nathalia Juliana Escobar Avila

Cod. 051250312008

Critica de cine y Televisión

Comunicación social y Periodismo IX

UNIVERSIDAD DEL TOLIMA

La jetée, otra forma de ser cine.

Por: Oscar Javier Sosa B.

Una interesante propuesta es la que nos hace Chris Marker, con este film (la jetée) que muestra la historia de un hombre que queda marcado desde su infancia por ver morir a un hombre durante un tiempo en el muelle de un aeropuerto, seguido de una serie de experimentos que se hacen después de una guerra atómica.

Esta foto historia, a blanco y negro tiene 28 min, de incertidumbre ya que la fotografía hace que el espectador tenga que dar un poco más, para poder entender las secuencias que el director plantea, además la ambientación sonora y el efecto de las imágenes hacen que el film no sea tan plano y le dé más dinámica y ritmo al corto. Una historia  muy bien planteada que evoca un poco de ciencia-ficción y un final circular que nos lleva al mismo lugar donde empezamos.

Esta película sin duda pertenece a una ola que a mediados de los 60 nació en Francia con grandes directores como, Jean Luc Godard y François Truffaut, este suceso fue denominado como Nouvelle Vague, (nueva ola) y no cabe duda de que Chris fue tentado por esta ola para realizar este corto, que rompía con la rutina del cine de teatro y lirico de esta época.

La invitación es para aquellos amantes del cine a blanco y negro, que desean ver una diferente de hacer cine en fotografía fija y con buen contenido.

La Jetée 

Por: Carolina Triana.

Código:051200262008

“Indagar imagéticamente las diferentes temporalidades y espacialidades, las variadas maneras (simbólicas y materiales) de estar en el mundo”.                                                                                  Nicolas Guigou                                                                                                  

Las posibilidades de la visualidad implican viajes y juegos concretos alrededor del tiempo y las espacialidades, situación que creo podría ser más complicada a través de otros sentidos o de otras artes.

Aquí Marker nos muestra una gran habilidad para relatar una historia y sus múltiples temporalidades y espacios a través de un narrador omnisciente que se apoya en imágenes, pero el asunto es más complejo, porque lo que hace es ponernos a viajar con su protagonista a través de imágenes fijas, pues dentro del plano no existe casi movimiento sino un muy buen montaje que simula ese movimiento, y que hace una película, que juega con muchas cosas, como contar una historia es distintos contextos históricos, demostrándonos que el tiempo no es lineal, explorando los quiebres de la luz y del tiempo, por donde se fugan los espacios y para poder vivir de nuevo nuestros recuerdos o mirar un futuro que ya ha pasado.

En la Jetée juega un papel importante, la memoria y los recuerdos, ligados siempre a la imagen y al sincretismo y a la vez simbolismo que estas pueden contener  en el desarrollo de nuestras vidas y del mundo en general.

Esta película tan particular plantea paralelos entre lo onírico y lo vívido, la ficción y lo real, así como las inmensas posibilidades de la mente para viajar y resquebrajar el tiempo.

Para hablar de buenas historias en el cine: La Jetée

Beatriz Helena Alba Sanabria

Viajar en el tiempo, ir del pasado al futuro y eternizar un momento en ese viaje divago, inconstante por retener eternamente los buenos momentos, es un juego pernicioso que confunde nuestra real existencia. Chris Marker relata desde su ciudad Paris, su visión futurista de un mundo apocalíptico, golpeado por las guerras nucleares y con la intención de revertir las consecuencias a base de experimentos humanos.

Para tal fin Marker recrea una historia a través de fotografías en blanco y negro y un narrador omnisciente que lleva la línea de la historia grafica, el plano, el encuadre, el ángulo fotográfico serán entonces los elementos para encontrar al sublevante hombre que realiza los experimentos, en un contrapicado que le da poder o por el contario un picado a los hombres experimentados que sufren, desde los detalles del rostro de la encantadora chica hasta las devastadoras ruinas de la guerra.

Sin duda el cortometraje de Marker es un ejercicio importante para el cine, por lo profundo y complejo de su narración, un planteamiento que asevera las características de la guerra, que exalta los valores de la ciencia en estos procesos y que juega con los recuerdos más humanos en la apropiación de una atmósfera inhumana que se ve devastada por lo cruel de la humanidad, es entonces la chica elemento que reelabora la insistencia en el pasado que le imprime la importancia de recordar, superando el recorrido frívolo y objetivo y sublevándolo con elementos de humanidad.

El viaje en el tiempo que empieza como una búsqueda para remediar las consecuencias de las vivencias presentes, llendo hacia el pasado en búsqueda de sus causas o al futuro en mejora de las soluciones, pero que no puede alejar al hombre de su propia naturalidad, de su arraigada forma de vivir para un momento, para un instante grato, aquí plagado de amor, en las sociedades modernas del mayor aprovechamiento del tiempo y del espacio, en un olvido constante del pasado, en una negación de lo que se fue y con la poca importancia de preservación para el más adelante, para el después.

El futuro esta recreado aquí, de forma apocalíptica, dependiente; una sociedad oscura, conectada a la maquina, un futuro en el que el hombre es víctima de su propio invento y destruye lo que posee, para intentar hacer de las ruinas un modo de vida artificial.

Una mirada circular que abrocha las ideas de hacerse impérenme en el tiempo, un hombre que queda consternado con una imagen que lo impacta, que no reconoce, que olvida cuando satisface la repetición del pasado en el presente, pero que tendrá que afrontar tarde o temprano.

La imagen en movimiento la reemplaza la fotografía, una especie de stop motion, que se refuerza con la narración, con el subtitulo, le da originalidad a la película, le recrea el movimiento, el paso de fotografía a fotografía, en momentos más lentos, en momentos más rápidos reforzando los puntos clave de la narración, haciendo clímax en la única imagen en movimiento que tiene la película: el parpadeo de los ojos de la chica sobre la cama.

De resto primará la fotografía, realzara el drama y contendrá lentamente el desenlace circular de la historia, que juega con la intriga y la narración densa, poética, sumamente interesante hasta tal punto de ser fuente de inspiración para demás historias audiovisuales, como lo serán la película 12 Monkeys, de Terry Gilliam en 1995 como largometraje y con imagen en movimiento pero con la misma esencia narrativa de la Jetée y Mark Romanek en 1993 para dirigir el videoclip de la canción Jump, They Say

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EL ESPACIO Y EL TIEMPO EN EL CINE.

Continuando este recorrido tanto por géneros como por propuestas y estilos cinematográficos, veremos este cortometraje de Chris Marker, del cual se realizara su respectiva critica.

 En el libro El cine, analisis y estetica de Enrique Pulecio M. encontraran un recorrido por diversas temáticas, conceptos y propuestas respecto al cine.

NADER Y SIMIN UNA SEPARACIÓN

NADER Y SIMIN UNA SEPARACIÓN 

La película se proyectara hoy en clase, recuerde su puntualidad, comenzaremos por tardar a  las 8:10 p.m.

Nader y Simin, una separación

Para mí, es una buena película, porque te contagia de la tensión de sus personajes y te envuelve en un melodrama familiar que muda de piel a cada cambio de plano. La historia de una separación por causa de un motivo noble y otro un poco egoísta, esta historia te puede transmitir ternura y tristeza, además de un poco de ira. Por otro lado cuestiona la unidad política y social en Irán.

Esta película te engancha  desde el inicio, la historia, también firmada por el director, arranca como lo que parece un drama familiar para acabar repercutiendo géneros y nacionalidades, llegando mucho más allá.

Farhadi, logra dibujar un crisol de posiciones enfrentadas sin juzgar a ninguno de los integrantes de una tragedia que termina por volverse un problema judicial..

Luz Nohelia Nieto

051250292007

Dir. Asghar Farhadi. 

Nader y Simin, una separación.

Por alguna extraña razón,  a medida que la película transcurría, en mi mente, una banda sonora alternativa se repetía en infinidad de veces , EL maestro Ruben Blades cantaba con emoción  y pasión  su cocido tema Decisiones, y lo  digo porque no encuentro otra manera de describir  la sucesivas relaciones de aparente casualidad, que se enredad mas y mas en el transcurso  de la película, pero que en realidad devienen  de las intervención de cada uno de sus complejos personajes en tiempos y espacios correctos; arte del azar, o una oportunidad para entrarnos  en las complejas redes de  la construcción cultural, política , social,  y religiosa, de Irán.

Los diálogos de la película se presentan muy afortunados para transmitir la tención de  las diversas situaciones, en las  que los desafortunados personajes son inmersos. Con particular detenimiento, el director Asghar Farhadi, presenta una diversificación de  las clases sociales, al igual que los estado del desarrollo  físico cognitivo del ser humano, que están en permanente tención con elementos como la verdad  y el conocimiento frente a la moral y la religiosidad hasta las indefensa mirada del enfermo terminal que se enfrenta al fin del si  vida y la niña que  inicia de igual manera indefensa el camino por la vida.

Definitivamente hay que encontrarnos con esta película, hay que ponerla en contexto, hay que aproximarse a ella  desde las concepciones occidentales sobre la moral,  Dios, La justicia, la familia, el amor, la vida, la muerte, el machismo,  las mujeres, la mentira, la necesidad, la precariedad económica, la sobre estimada capacidad del dinero  entre otros elementos que encontraran muy bien trabajados en esta película; para luego solo sentarnos y decir mierda, la mira occidental no alcanza para dimensionar  de manera total la cinta y  su  intención, porque claro, puede ser solo una muestra de la consolidación del estado  de iraquí y  su  sistema judicial en un periodo pos guerra, que sutil mente en dosis medidas y calculadas por  el director.

Por mi parte creo que es una maravillo película, supremamente rica en contenidos  y debates, y más que cualquier otra cosa, una oportunidad para encontrarnos con una mirada de las sociedades de medio oriente.

Sebastián Gutiérrez

Comunicación social – periodismo

Critica de cine y televisión

CRITICA DE LA PELÍCULA NADER Y SIMIN UNA SEPARACION

Asghar Farhadi,  es el director de la película Nader y Simin una separación, básicamente se baso en hechos ficticios  y experiencias personales tuvo algunos periodos de prohibición ya que hacia algunos comentarios políticos contra acciones del gobierno iraní, el estreno de esta película se realizo el 9 de febrero de 2011, en el festival  internacional de cine fair, donde obtuvo el premio al mejor director, mejor guion, mejor actor, mejor actriz secundaria y también recibió el premio de audiencia a mejor película.

Nader y simin es una película buena maneja unos encuadres excelentes los cuales le dan movimiento a la película, trabaja elementos del montaje como el de ir de un plano abierto a uno cerrado, gran parte de los movimientos vemos que hay cambio de colocación de la cámara que pasa de un lugar a otro, la musicalización fue acorde con cada eventualidad.

Esta película se trata de una pareja de esposos iraníes que deciden separarse, ellos van al juzgado para establecer el por qué de su decisión allí el juez no ve la razón de la separación ya que es porque la mujer quiere irse de ese estado y quiere que su esposo y su hija termeh la acompañen, Nader por su lado se niega, puesto que no está dispuesto a dejar a su padre quien sufre de alzhéimer, es aquí donde comienza el melodrama de esta familia.

La esposa  abandona la casa, luego Nader contrata a una señora para que le cuide la casa, y un día esta lo deja solo y Nader encuentra a su padre tirado en el piso y un poco lastimado el se enfada y despide a la mujer a empujones, al parecer ella cae por la escalera  y pierde el bebe, la mujer y el esposo deciden demandar a Nader por haber matado a su hijo, se generar una serie de mentiras por este hecho, y poco a poco se va descubriendo la verdad.

De todas maneras por más que termeh que quiso  que sus padres estuvieran juntos no pudo ser y vino la separación.

Julieth Andrea Bonilla Rodríguez

051250332007 

Following (Misterio Perfecto)

La cinta Following, logra reunir elementos, que permiten calificarla de seductora. Lauro Zavala, en su libro dedicado a la narrativa cinematográfica contemporánea, menciona las estrategias que logran el  suspenso, misterio y la ficción, para atraer al espectador. El misterio y la sencillez expuesta en cada escena, es más que notable, dando pistas para el final más inesperado.

Es muy interesante la credibilidad de los actores. Pareciera que la película trata temas separados, sin embargo el final es completamente dependiente de esas partes, sin contar con los movimientos de cámara cuando Bill es decir, el escritor que al entrar en crisis, comienza a seguir a la gente por la calle, aquí es donde  la trama toma ese toque de sensación que permite vivirla desde adentro, no como espectador sino como quien persigue al igual que al perseguido.

Pero ¿en que momento se rompe con las reglas del juego? El tema de la obsesión y curiosidad por conocer a personas anónimas, por saber que acontece a diario en sus vidas, da paso a seguir a la misma persona en varias ocasiones, todo ello evidenciado en un guion sencillo y limpio, la muestra está, en que los dos personajes son enfrentado con la misma jerarquía, no existe uno menos importante que el otro, los encamina en la misma dirección, para lograr una cadena de  sucesos que solo tienen sentido cuando se unen al final de la historia.

Christopher Nolan, logra un estilo diferente en esta cinta. Aunque la película es relativamente corta, llena expectativas inesperadas, pues situaciones que podrían ser tan cotidianas, pueden ser contadas desde escenarios con elementos muy sencillos, lugares comunes, una ambientación acertada (la ópera prima inédita), un conjunto de mecanismos muy significativos para el desenvolvimiento de la historia misma, con elementos cinematográficos que permiten redondear el film.

MAYERLY URREGO ROJAS

Comunicación  Social – Periodismo

Crítica de Cine.

CRITICAS LA PIEL QUE HABITO.

“LA PIEL QUE HABITO”

La piel que habito es una película refrescante, es una mezcla entre la ficción y el suspenso, narrada de manera elegante y detallada, toda la elaboración de puesta en escena es una verdadera selección de aciertos que trasportan al espectador a una realidad casi inmediata que podría bien estarse presentando en cualquier rincón bajo diferentes aspectos.

Es una digna representación del tipo de cine de  Pedro Almodóvar , trae consigo elementos refinados reflejados en cada palmo de la casa en que se desarrolla la historia, elegante, sofisticada, llena de luz y colores, donde por contraparte se entreteje una historia atrevida más allá de lo convencional, con elementos de la sicología humana que aborda sentimientos de la más baja clase, como la venganza, la mentira y el cinismo.

Sin embargo como es ya un rasgo típico de Almodóvar, todos los personajes incluyendo aquellos que resultan villanos tienen las dos caras de la moneda dentro de su personalidad, es el caso de Robert quien a pesar de los hechos atroces cometidos como venganza por el suicidio de su hija, llega a convertirse en una víctima de las circunstancias, un individuo probado bajo las más extremas condiciones de dolor humano y que al final de la película resulta víctima de su propio juego macabro al proyectar sus sentimientos sobre “Vera” o mejor dicho la verdad que el recreo y termino por consumirlo.

La escenas de sexo también son bastantes explicitas, sobre todo la de la violación de Vera, donde la brutalidad recoge toda la escena, así como en la violación de Norma se puede ver a simple vista el efecto que la droga tiene sobre las acciones humanas y como un momento de locura puede cambiar todo el rumbo de la vida no solo de sí mismo sino de las personas involucradas.

Bajo la Piel es una película que toca muchos sentimientos humanos, desde la pasión hasta la venganza, el titulo dice mucho del trasfondo de la trama, todo lo que está oculto por una capa de apariencias, todo lo que puede ser una persona dentro de su mente  y como los agentes externos por más extremos que sean no logran destruir por completo la esencia de una persona.

La escena en donde el violador está atado por cadenas y al despertar se encuentra con una tina de agua fresca, sobre la cual se abalanza ávidamente trasporta la imaginación a la decadencia humana, y es una metáfora del estado en que se puede llegar a caer cuando se traspasan las normas sociales, el hecho de estar casi desnudo, la oscuridad de la escena y el sonido triste que lo acompaña, dramatizan aún más la condición de decadencia moral del individuo, algo que logra impresionar es el constante sonido de las cadenas haciendo eco por todo el lugar, como recordatorio del pecado.

En general la musicalización de todo el filme es sorprendente sin embargo la una de las escenas de mayor impacto, es donde Vicente por fin ve una posibilidad de escapar y al no lograrlo, decide finalmente cortarse el cuello con un cuchillo de cocina, el sonido instrumental del fondo parece creado para ese momento siguiendo la secuencia del movimiento y finalizando en el momento en que este termina de pasarse el cuchillo y la sangre brota, y Vicente cierra los ojos de forma teatral.

En cuanto a la estructura de la película, los intervalos de tiempo con los que juega el director, son adecuados para captar la atención del espectador y contar una historia llena de altibajos de manera que durante toda la historia el espectador nunca pierda la curiosidad por armar el acertijo que trae consigo la película.

El final es adecuado con respecto al hilo conductor de la historia, es una liberación para todos del peso que llevaban por los acontecimientos, en cuanto al doctor a transgresión de las normas que lo condujeron a un final tan trágico, para el ama de llaves el hecho de ser cómplice en todas las locuras de su hijo y finalmente para Vicente quien a pesar de verse enfrentado a una etapa tan extrema que cambio para siempre su físico y la manera como podría desenvolverse en un futuro, logra al final la libertad que deseo desde el momento en que callo dentro de este juego de venganza.

YUDY  LORENA VALLEJO GOMEZ

En la piel que habito

Jeysi Carolina Fernández

En la piel que habito, sugiere un análisis personal del protagonista, una reflexión, una pregunta que el espectador desea contestar luego de ver el largometraje, así como una alusión a una persona inconforme con su propio ser.

La relación entre el título y la película, se encuentra desde el inicio cuando en la primera escena la protagonista superpone pedazos de tela sobre un muñeco que poco a poco adopta una forma femenina, pero sin rostro.

Los violines son la introducción a una historia que su toque dramático se acentúa con el sonido de las cuerdas de este instrumento, esta es la introducción a una historia que muestra a una mujer con un traje color piel en una habitación encerrada.

La música marca el ritmo de la película, donde los pasa de momentos álgidos con el sostenido del violín, que bajan cuando la escena lo requiere.

Poco a poco se revela cada personaje, el médico que aparentemente cuida de una paciente que fue sometida a una cirugía compleja. La película arranca en la mitad de la trama, pero desarrolla el ritmo dramático que engancha al público.

El color es una de las características que resalta en el largometraje, los azules fuertes, en contraste con el rojo, la piel y el negro, que hacen parte del sello personal de Almodóvar.

Una historia original, salida de la invención de este director, español, donde deja ver su marcado estilo  de mostrar historias donde el homosexualismo sale a flote, esta vez de una manera diferente, cuando concluye la historia, Vicente el protagonista encuentra la manera de estar con la mujer que quiere, aún antes de haber sufrido su amarga transformación.

Cambio que es marcado por el sonar de los violines, que además evocan la rapidez con la que el personaje cambia de hombre a mujer, al igual que en la escena en la que Vera, aquella enigmática y bella mujer desgarra los vestidos, los destroza con sus propios dientes.

El cirujano plástico Robert Ledgard, es un hombre solitario, enamorado aún del recuerdo de su esposa, que se siente culpable por la desgracia de su hija y busca vengar la muerte de ella.

Además el personaje de Marilia, madre, abuela y quien cuida de la mujer en el cuarto con un traje color piel, es el conflicto de una madre que siempre ha hecho las veces de amiga, confidente del médico, encarnado por Antonio Banderas,uno de los actores elegido por Almodóvar para sus películas.

Durante el desarrollo de la historia se muestra cómo Vera era antes un hombre, situación que se insinúa en la escena cuando Lergard duerme con ella y recuerda en su sueño, el día que un hombre abusa de su hija, lo que provoca la muerte de la misma. La cámara en ese momento enfoca la cara de la mujer y ésta recuerda al igual que el cirujano el momento de la violación.

El lenguaje del director es siempre directo, acorde con la evolución tanto en tecnología, medicina y temas polémicos. Además de aquellas relaciones difíciles y complejas entre los protagonistas.

La historia transcurre en varias locaciones, el cuarto donde permanece Vera, que está ubicado en la casa del cirujano, su vida es vista desde un televisor, aquella habitación está en la casa del médico situada a las afueras de una ciudad.

Hay otras locaciones como el almacén de la mamá de Vicente, la carretera donde es raptado, la cueva donde permaneció los primeros días y el hospital psiquiátrico en que está internada la hija del cirujano.

El final de la película que está enmarcada en el cine negro, porque desarrolla su trama en un hecho delictivo, porque  Lergard, opera en secreto a Vicente, rompiendo con ello el código de ética, donde los procedimientos de este tipo no son permitidos y lo realiza sin consentimiento del mismo.

El final es paradójico, cuando la protagonista luego de asesinar a sus verdugos, llega de nuevo a donde su madre, se encuentra con la mujer que siempre le ha gustado, le muestra su transformación, dejando abierta la posibilidad de sostener una relación.

LA PIEL QUE HABITO

(PEDRO ALMODOVAR)

El Filme muestra la historia de un cirujano plástico que busca la creación de una piel sintética, inspirado por su mujer quien sufrió un accidente de tránsito y sufrió quemaduras en todo su cuerpo.

Luego de doce años de intentos, logra obtener e incubar una piel que es sensible a las caricias y los estímulos, esto logrado con terapia celular. Está claro que el cirujano no podría estar solo en esta locura y necesitaría de una cómplice sin ningún escrúpulo y quien mejor que Marilia su nana.

Vicente seria quien se sometiera al experimento y la venganza de Robert puesto que por circunstancias del destino él y la hija de Robert se encuentran en una boda, Vicente la seduce y le pide que la acompañe a dar una paseo, se introducen  en un pequeño bosque cerca del sitio de la celebración y comienzan un acto en mutuo acuerdo pero antes de consumarlo Norma la hija de Robert se arrepiente  de lo que está haciendo y empieza a gritarle que desista; Vicente, asustado y bajo el efecto de drogas, le da un golpe en la cabeza, dejándola inconsciente y huyendo en una motocicleta.

Robert comienza su venganza secuestrando aquel joven y sometiéndolo a un cambio de sexo y así continuo con seguidas operaciones durante 6 años convirtiendo aquel muchacho en un prospecto de su esposa.

El desenlace de esta entretenida y para alguna sádica película se da cuando vera mata a Robert y luego a Marilia, luego Vicente llega a la tienda de vestidos de su madre vestido de mujer y le dice a ella y a su trabajadora homosexual que él es Vicente quien más adelante tendría una relación homosexual con la compañera de trabajo de su madre.

Su director Pedro Almodóvar muestra como en toda su línea cinematográfica en esta película sale del costumbrismo español al que según Almodóvar se ah sometido el cine de su país, con la mezcla de dos  elementos esenciales para obtener una película exitosa Almodóvar logra plasmar ritmo y originalidad en cada una de las escenas de la película.

Esta película fue galardonada en varias ocasiones como  cuatro premios Goya (entre ellos, a la mejor actriz protagonista) y el BAFTA británico a la mejor película extranjera.

Hay quienes dicen que este largometraje tiene el puro ADN de almodovar, puesto que los planos y las imágenes están  excelentemente cuidados y se caracterizo por su originalidad y por su técnica de utilizar muchos saltos de cámara y flash backs, también poseen una alta calidad en su musicalidad y sus colores.

La película tiene muchas inspiraciones y muchas colaboraciones al arte de Louise Bourgeois y los decorados incluyen un cuadro de Guillermo Pérez Villalta (propiedad del mismo Almodóvar), varios collages de Juan Gatti y reproducciones a gran tamaño de dos pinturas de Tiziano: La Venus de Urbino y Venus y un organista. Jean-Paul Gaultier colaboró en labores de vestuario.

051200522011

MARLON DARIO GALEANO

COMUNICACIÓN SOCIAL Y PERIODISMO